244 Perchè dipingiamo una passione chiamata pittura.
Oggi parliamo di pittura. Ma anche in un modo un po’ personale. Infatti quando ero più giovane per un po’ di anni ho dipinto. Lo facevo per puro divertimento. E divertirsi è una cosa importante. Ognuno lo fa a suo modo e io l’ho fatto, provando a fare cose diverse, che mi piacciono. Il mio interesse per il disegno era nato già al liceo, anche se ho cominciato davvero a dipingere soltanto molti anni dopo.
In disegno me la cavavo bene. Facevo un po’ quel che volevo e la professoressa mi lasciava fare.
Ciao sono Marco e questo è italiano per stranieri con marco.
Bene, incominciamo col dire che la pittura ha origini antichissime. E’ stata una delle arti nate nella preistoria, migliaia di anni fa, forse quarantamila anni.
Ma parchè l’uomo, o le donne, dipingono. Ovviamente per comunicare…nel passato anche per tramandare a chi viene dopo di noi com’è il mondo in cui viviamo. Questo soprattutto nel passato, quando ovviamente non c’era la fotografia.
Oggi molte persone lo fanno per divertirsi, perché gli piace farlo, e questo basta.
Come ho detto all’inizio anche io, da puro dilettante, ho dipinto parecchi quadri.
Ho rincominciato, dopo il liceo, forse quando avevo quarant’anni e ho continuato a farlo per forse dieci anni.
Ricordo però che già da ragazzo mio padre mi portava spesso a vedere le mostre di un pittore della Val Ganna, una valle vicino a Varese. Forse è stato proprio lì che è nata la mia curiosità per la pittura, anche se allora non immaginavo che un giorno avrei provato anch’io a dipingere.
Sul mio sito potete vedere una delle sue opere. Sul sito potete vedere anche alcune dei miei quadri.
Non lo so.
Solo dopo molti anni, il mio interesse per la pittura è diciamo rinato.
A incoraggiarmi fu un mio amico che dipingeva quadri astratti. Una volta mi ha convinto ad andare a una scuola di pittura, francamente l’ho frequentata pochissimo, forse per tre o quattro lezioni.
Non faceva per me, troppa gente insieme che criticavano e osservavano gli altri mentre dipingevano.
Nell’ultima lezione ho parlato con il maestro che guardando uno dei miei quadri mi ha detto, parole testuali:
“Vada avanti che ci riesce”. Stavo dipingendo un grande albero in un prato.
Così ho deciso di continuare da autodidatta, cioè da solo senza andare a una scuola.
Mi ero procurato tutta l’attrezzatura necessaria: un cavalletto, alcuni pennelli, una scatola di colori a olio e una tavolozza di legno.
La tavolozza è la superficie su cui il pittore dispone e mescola i colori. All’inizio prendevo spunto da un manuale che spiegava diverse tecniche.
Anche i nomi dei colori mi affascinavano. Quando si incomincia a dipingere, infatti, si scopre che non esistono soltanto il giallo, il blu, il rosso o il marrone. Esistono moltissime sfumature, spesso indicate con nomi particolari.
TRENTINO ALTO ADIGE Una pineta.
Per esempio, usavo spesso il giallo di Napoli, un giallo chiaro e caldo, utile per dipingere alcuni muri illuminati dal sole, i campi o certe parti del cielo.
Poi c’era la terra di Siena, un colore marrone tendente al giallo, che prende il nome dalla città toscana di Siena. Era molto utile per il terreno, i tronchi degli alberi, le case di campagna e le colline.
Usavo anche la terra d’ombra, più scura, adatta naturalmente per creare le ombre, ma anche per dipingere il legno, la terra bagnata o le parti più scure di un paesaggio.
Tra i blu mi piaceva il blu cobalto. Era un colore abbastanza intenso, che poteva essere usato per il cielo e, mescolato con altri colori, per creare diverse tonalità dell’acqua o delle montagne lontane.
C’era poi il blu oltremare, più profondo. Il suo nome mi è sempre sembrato molto suggestivo: fa pensare a qualcosa che arriva da lontano, da oltre il mare.
Naturalmente, quasi mai si usa un colore direttamente dal tubetto. I colori vengono mescolati sulla tavolozza. Per ottenere il verde di un prato, per esempio, si possono mescolare il giallo e il blu, ma bisogna scegliere attentamente quali tonalità usare. Aggiungendo un po’ di bianco il colore diventa più chiaro; con una piccola quantità di terra d’ombra diventa più spento e naturale.
Questo era uno degli aspetti più interessanti della pittura: cercare di capire quali colori fossero necessari per riprodurre ciò che vedevo. Un prato, infatti, non è mai semplicemente verde. Può avere zone giallastre, parti più scure, riflessi azzurri e colori diversi a seconda della luce e dell’ora del giorno.
Un paesaggio dell’ Oltrepo Pavese Nord Italia, Lombardia.
Qui facciamo una breve pausa per capire una cosa. Come si producono i colori delle pitture? Cioè, come fa un tubetto di colore a contenere una pasta gialla, rossa o blu?
Bene, al giorno d’oggi molti colori sono di origine sintetica, cioè fatti con la chimica, ma in passato i vari colori derivavano soprattutto da pezzetti finissimi di minerali che per loro natura sono di differenti colori. Altri colori, come i marroni e la terra di Siena, derivavano proprio dalla terra tritata e mescolata all’olio, fino a diventare una pasta colorata marrone.
Questa ricerca dei colori naturali creava storie incredibili. Pensate che il blu più bello del Rinascimento si otteneva macinando i lapislazzuli, una pietra preziosa che arrivava dall’Afghanistan. Quel colore era così raro e costoso che valeva più dell’oro, e i pittori potevano usarlo solo per i dettagli più importanti, come il mantello della Madonna.
Grandi maestri come Giotto, nella Cappella degli Scrovegni a Padova, o Michelangelo, sulla volta della Cappella Sistina, hanno usato questo preziosissimo blu oltremare per creare cieli indimenticabili. Proprio perché costava una fortuna, i contratti dell’epoca specificavano persino quanti grammi di lapislazzuli il pittore doveva usare, per evitare che risparmiasse sul materiale.
Questa dipendenza dalle pietre preziose è durata per secoli, fino a quando la chimica non ha cambiato le regole del gioco.
Agli inizi del Settecento, a Berlino, un produttore di colori di nome Johann Jacob Diesbach stava cercando di fabbricare un colorante rosso. Per errore, utilizzò degli ingredienti contaminati da sangue animale. La reazione chimica che ne seguì non produsse il rosso sperato, ma un blu scurissimo, profondo e magnetico: era nato, in modo del tutto casuale, il blu di Prussia, il primo colore sintetico dell’era moderna.
Il nome blu di Prussia è derivato poi dal fatto che il colore è stato usato dall’esercito della Prussia, grande potenza militare.
Un paesaggio dell’Alta Val Sesia. Piemonte, nord Italia.
Questa scoperta fu una vera rivoluzione per gli artisti: finalmente esisteva un blu intenso, stabile e soprattutto economico, che non richiedeva di frantumare pietre preziose. Secoli dopo, questo stesso blu “nato per sbaglio” diventerà il protagonista di capolavori immortali, come alcuni quadri di Picasso.
Oltre ai colori a olio, mi piacevano gli acquarelli. Le due tecniche sono molto diverse. I colori a olio asciugano lentamente e permettono di correggere facilmente un errore. L’acquarello, invece, asciuga quasi subito: se si sbaglia una forma o un colore, tornare indietro è molto più difficile.
Molti dei quadri che ho fatto rappresentano paesaggi, adesso che ci penso i miei quadri sono tutti dei paesaggi. Molti li ho fatti prendendo spunto da fotografie viste su riviste o a volte, fatte da me e magari un po’ modificate.
Una volta, qualche anno dopo, spinto da questo mio amico, mi sono iscritto, di nuovo, a un corso questa volta di acquarello in un paese in montagna dove stavamo facendo le vacanze. Ricordo che ero molto contrario ma alla fine ho ceduto e ho frequentato forse dieci lezioni di acquarello.
Come al solito ero molto timido e mentre tutti gli altri parlavano tra di loro io me ne stavo un po’ in disparte. All’inizio ero un vero disastro. L’insegnate ci voleva obbligare a fare delle strisce con i pennelli, dei punti e delle chiazze di colore, forse per insegnarci a usare appunto gli acquarelli. Io non ci riuscivo, oltretutto mi annoiavo molto, insomma ero considerato dall’insegnate il peggior allievo, un disastro.
Irrecuperabile. Ero molto imbarazzato.
Poi, dopo tre lezioni, abbiamo incominciato a dipingere paesaggi. Io ho subito pensato: “Benissimo, questo fa per me…”. I paesaggi erano i miei soggetti preferiti, dato che già li dipingevo a olio. L’insegnante ci spiegò cosa dovevamo fare: “Dunque, ora potete usare gli acquarelli per fare un paesaggio, di montagna o di mare, quello che volete. Il soggetto è libero”.
Mi sono buttato. Ho dipinto due paesaggi ricordando, ovviamente, la Val Sesia, la valle vicina al Monte Rosa. Mentre dipingevamo, l’insegnante camminava tra i tavoli su cui erano appoggiati i fogli da disegno. Dopo circa un’ora io avevo quasi finito. L’insegnante, dopo aver visto il mio dipinto, disse: “Bello! Però io farei delle correzioni”.
Con mia grande sorpresa, quel dipinto gli era piaciuto. Prese il mio foglio e modificò alcune cose: il colore di un prato troppo verde, un albero con la forma errata… insomma, ritoccò il mio dipinto. Ritocchi molto ben fatti, devo dire. Ero davvero contento: il mio lavoro, sistemato dall’insegnante, era migliorato moltissimo. Nelle lezioni successive ne abbiamo fatti altri e da quella volta, terminata la vacanza, ho continuato a fare un po’ di acquarelli.
Ora fermiamoci un momento a riflettere: perché, al giorno d’oggi, le persone dipingono?
C’è chi lo fa per rilassarsi. Probabilmente anch’io, qualche volta, dipingevo per questo motivo. Quando si è concentrati sui colori, sulle forme e sui piccoli particolari, si dimenticano — almeno per un po’ — i problemi quotidiani. Altri dipingono per conservare il ricordo di un luogo. Io l’ho fatto con alcuni paesaggi del Trentino e dell’Oltrepò Pavese. Quando guardo quei quadri non vedo soltanto alberi, colline o montagne: ricordo esattamente il luogo in cui ero e le emozioni che provavo in quel momento. I quadri realizzati partendo da fotografie non scattate da me, invece, mi trasmettono meno emozioni; mi sembrano più freddi, forse perché rappresentano luoghi che non appartengono ai miei ricordi.
C’è poi chi dipinge per esprimere quello che sente. Alcuni miei paesaggi di campagna, per esempio, cercano di riprodurre la sensazione di tranquillità che provo quando mi trovo in contesti simili. Infine, c’è chi dipinge semplicemente perché gli piace vedere nascere qualcosa sopra una tela bianca. Anche questo mi affascinava molto, soprattutto quando inventavo paesaggi un po’ strani, che nella realtà non esistevano.
Una delle tecniche più note in pittura è quella che si chiama “en plein air”, cioè all’aperto, quando si dipinge qualcosa stando proprio sul posto, in mezzo al paesaggio che si vuole rappresentare. Una volta io e un mio amico siamo andati in mezzo alla campagna e abbiamo “tentato” di farlo. Per convincermi mi disse: “Oggi facciamo come gli impressionisti! Andiamo in un posto favoloso, una stradina che conosco in campagna da cui si vedono prati stupendi, un campo di grano e le montagne sullo sfondo”.
Io mi sono lasciato convincere facilmente. L’idea di fare quello che facevano gli impressionisti mi aveva subito affascinato, anche perché amo molto quel tipo di pittura, ma non immaginavo le difficoltà di una simile scelta.
Bene, arrivati sul posto abbiamo sistemato i cavalletti e abbiamo incominciato a dipingere. Mi sono subito reso conto che qualcosa non andava. Scegliere i colori non era affatto facile. La profondità di un paesaggio visto dal vero è completamente diversa da quella di una foto o da quella che abbiamo in mente. Inoltre, con il passare del tempo, la luce e i colori cambiano parecchio. Un campo di grano illuminato dal sole del tardo pomeriggio ha sfumature totalmente differenti dallo stesso campo osservato al mattino, poco dopo l’alba. Nel giro di un paio d’ore tutto appare diverso.
Insomma, per me è stato un vero disastro. Quello è uno dei quadri che non sono mai riuscito a finire e non so neanche che fine abbia fatto. L’avrete capito: la tecnica en plein air non faceva per me. E non ho mai più tentato di fare una cosa simile.
E voi avete mai provato a dipingere? Se vi va, fate un salto sul mio sito per dare un’occhiata ai miei paesaggi (prometto che non ci sono quelli fatti all’aperto!)
